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Nací el 9 de junio de 1961 en Bëngbe Uáman Tabanok “Nuestro Sagrado Lugar de Origen”, hoy llamado Sibundoy, en el departamento del Putumayo. Desde la infancia he estado vinculado a las creaciones artesanales indígenas por la herencia de mis padres Justo Jacanamijoy (qepd) y María Juajibioy (qepd), mi padre hacedor de instrumentos musicales y tejedor de mochilas ancestrales Shecnajëng y mi madre tejedora de chumbes tradicionales Tšombiachëng. Cursé estudios primarios y secundarios en el Colegio Champagnat de Sibundoy. A los 23 años inicié mi carrera artesanal recuperando, entre otras creaciones, el banco tradicional Tšenëš, y centrando mi labor en las máscaras ceremoniales de nuestro carnaval indígena Clestrinÿe, así como en la expresión cotidiana de la vida del hombre y mujer Kamëntšá a través de los rostros ancestrales. Mi dedicación exclusiva es la Talla en maderas nativas del Valle de Sibundoy expresándolo en máscaras ceremoniales, bancos tradicionales, bateas de ofrenda, figuras articuladas, rostros ancestrales y obras especiales de la mitología ancestral Kamëntšá. Actualmente lidero el Taller Artesanal JACAM en el Resguardo Indígena del Pueblo Kamëntšá, en la Vereda Tamabioy, Sibundoy, Putumayo. He sido condecorado con la Medalla a la Maestría Artesanal Tradicional (2001) Contemporánea (2013) y la Medalla Maestro de Maestros (2015). He sido referenciado como uno de los mejores Maestros de Arte Popular en Colombia e Iberoamérica y mis obras hacen parte de la Colección Fomento Cultural Banamex que reúne alrededor de 5.000 obras de maestros del arte popular Iberoamericano. JACAM proviene del idioma Kamëntšá y significa «recoger, cosechar o tomar algo» Recoger el pensamiento de nuestros mayores, cosechar la chagra del espíritu y tomar las palabras de vida. 

Su primer contacto con la música se produce a los nueve años de edad, en su ciudad natal Quibdó, en donde conformó la agrupación La Timba que en esencia era una dulzaina, un bongó, unas maracas y un güiro.

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El Maestro Eduardo Muñoz Lora nació en Pasto en julio 13 de 1945, su madre, doña Victoria Amelia Lora, tejedora entre otros artículos  de chumbes, descubrió su vocación artística desde muy pequeño, ella lo estimulo en el aprendizaje del barniz de Pasto, permitiendo que se inicie como aprendiz en el taller del Maestro José Francisco Torres, alternando sus estudios. “Desde el primer momento, este oficio colmó mis expectativas y me cautivó la técnica maravillosa del recorte, su materia prima, su olor tan particular”. Posteriormente ingresa a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nariño “[…] esta etapa marcó un derrotero muy importante. Fue una rica experiencia para perfeccionarme en el dibujo, la pintura, la escultura y la historia del arte […]. En 1968 voy a Bogotá para continuar acumulando experiencias, trabajé en muchos oficios, decorando y diseñando vitrinas, en un taller de vallas publicitarias, en una tipografía. También unos meses en Inravisión como ayudante de escenografía” […] 1972 contraje matrimonio con Graciela Martínez con la llevo 43 años de feliz matrimonio y con la cual tengo tres hermosos hijos y 4  maravillosos nietos.  En 1.972 Muñoz Lora funda su taller, Artesanías de Colombia reconoce y estimula su labor otorgándole una beca de estudios de diseño dirigido por el artista Carlos Rojas. A lo largo de su vida artística el maestro Muñoz Lora ha sido un incasable luchador por enaltecer el  Barniz de Pasto o mopa-mopa, mirando con orgullo su pasado indígena, buscando un nuevo horizonte estético que le permita a esta técnica única en el mundo, no desaparecer como oficio artesanal, sino por el contrario convertirse en un técnica al nivel de las artes mayores.

José María "Chema" Maestre Álvarez, el poeta patillalero inmortalizado en los versos de José Hernández Maestre, murió el 31 de Diciembre del 2012, en horas de la mañana, luego de dos días de permanencia en la unidad de cuidados intensivos de la Clínica Cesar, donde fue llevado a causa de una neumonía.

Chema Maestre, como fue conocido por propios y extraños, había nacido el 9 de agosto de 1918 en la población de Patillal, en el municipio de Valledupar, siendo el menor de los seis hijos del hogar de José María Maestre Maestre y Carmela Álvarez de Maestre. Fueron sus hermanos: José Manuel, Victoria, Carmen Sofía, Leticia y Ana Dolores.

Bernardo Araujo fue su primer educador en la escuela pública que aun existe en Patillal. Del bachillerato sólo logró hacer el primer año pues el Colegio San Francisco, fundado allí por el profesor Nicomedes Daza López, cerró sus puertas en el año de 1934 al no encontrar suficientes alumnos con quienes funcionar. Solo cinco alumnos tuvo ese curso: Chema Maestre, Carlos Pérez, José Manuel Daza, Lucas Daza y Rafael Eduardo Daza.

La vena poética afloró en Chema Maestre desde su infancia, cuando en las clausuras de fin de año de la escuela declamaba las poesías de Julio Flores que sus maestras le encargaban y que él, con gran facilidad, aprendía. También a esa edad comenzó a escribir y no lo dejó de hacer sino hasta cuando la enfermedad del olvido se apoderó irremediablemente de su mente hace pocos años. Chema vivió una feliz, grata y ejemplar existencia. Él escribía sus poemas inspirado por sus propias vivencias, los hechos que lo afectaban o le daban alegría.

A la edad de veinte años contrajo matrimonio con Francisca Martínez, en cuyo hogar nacieron sus hijos: Miriam, Armando, Carmen Cecilia y Ligia.

Las tareas de campo, como la ganadería y la siembra de arroz y algodón, entre otras, fueron sus actividades principales. Hace muchos años tuvo una fábrica familiar de guaireñas.

En 1992, luego de conocer su obra que permanecía dormida en un viejo baúl, decidí publicarla en el libro que titulamos “Sueño de amor”, el cual tuvo dos reediciones que él rebautizó como “Huellas del ayer” y “Tierra mía”. En la presentación de ellos, Chema dijo: - “Este libro contiene algunos poemas ejemplares, escritos con sinceridad y sencillez, aspirando a que puedan llegar a consolar siquiera a un corazón entristecido. Si lo alcanzara a lograr, sería la satisfacción más grande de mi vida”.

Para la primera edición solicité a Consuelo Araujonoguera prologar el libro, y esto fue lo que escribió: - “Chema Maestre, dicho así con su hipocorístico en lugar de su nombre completo, es un amante de la belleza. De la belleza en su justa descripción semántica que la define como ese algo sutil, esa propiedad intrínseca que tienen los seres y las cosas que nos hace amarlos infundiendo en nosotros un goce especial, un deleite espiritual incomparable que, por ello mismo, no se parece a ningún otro sentimiento.

Esta condición que redime y rescata al hombre del materialismo y lo libera de la esclavitud que poco a poco ha ido imponiendo la sociedad de consumo, se ha puesto de presente siempre, a lo largo y ancho de la vida de Chema, de diferentes modos y formas: su acendrado romanticismo, su nobilísima concepción de la amistad, su natural jovialidad, su don de gentes, sus buenas maneras, su caballeresco sentido del honor han ido, a través de los años, delineando el prototipo que él encarna sobradamente y que corresponde más a aquellos viejos y nobles patriarcas del caserío llamado Patillal, que a los presurosos y apresurados ciudadanos del mundo actual.

Todo en Chema rezuma nobleza, romanticismo y poesía. Pero de esta última cualidad sólo supimos a medias cuando se develó el secreto a través del recado musical que su amigo José Hernández le enviara a Fello Fuentes en aquella octavilla feliz del canto que le compuso a la novia lejana:


Si ves a Chema Maestre
me

le dices que le mande


a su amigo José Hernández


un recorte de poesía


que son pa’la novia mía


y no se te olvide Fello


porque a esos versos tan bellos


yo les pongo melodía…

Hoy no ha hecho falta que el compositor Hernández vierta en melodía los sentimientos de Chema porque éste, estimulado por el persistente afecto de nuestra común amiga y mecenas Lolita Acosta Maestre, se decidió a recoger un buen número de sus versos para presentárnoslo en este Poemario Elemental en el que nos desnuda sus sentimientos y pone ante los ojos asombrados de “ intelectuales” y académicos esta muestra de sus versos que, más que para ser sometidos a la aceptación o no del público, fueron escritos para abrirle paso y darle curso a la cauda de los sentimientos desbordados en lo profundo de su alma noble y sencilla.

Son más de cuarenta poemas escritos con los mismos elementos que forman la vida del autor y mantienen encendida su inspiración: la mujer y sus amores; el pueblo tranquilo del que no se desea partir para venirse a vivir a la ciudad ya demasiado grande; la amistad, con su irrenunciable carga de lealtades y de afectos; el campesino a cuyo lado vivió buena parte y de quien se aprendió la filosofía de las cosas hechas con amor; el baño en el río de arena sobre el cual había que oficiar el rito de las casimbas para poderle extraer un agua cicatera; las costumbres pueblerinas que enmarcaron y definieron el entorno cultural como aquella de moler el maíz bajo el esplendor del lucero mañanero; los personajes del pueblo que por su  bondad y su superación marcaron buenamente la vida del autor y, en fin, todas esas vivencias, gratas en veces y en veces tristes, que en los seres sensitivos como Chema Maestre van definiendo sutil pero firmemente su vocación poética.

Yo, lo digo sin vacilaciones, he sido gratamente sorprendida.

Conocer estos versos y encontrar en ellos auténticas expresiones poéticas de buena factura como esa cuartera que dice:


Óyeme corazón, lo que te pido:


No dejes que las penas te detengan


Recuerda que aunque estés envejecido


tienes a quien querer ¡y hay quien te quiera!...

O esta otra metáfora llena de belleza: “La vi en el amanecer de un sueño / acariciando de su jardín las flores…” es descubrir de pronto que ahí, a la vuelta de la esquina, muy cerca de donde uno vive está escondida la sensibilidad de un alma que se expresa en forma elemental pero hermosa. Todo ello demuestra y reafirma, una vez más, que para expresar los sentimientos y la belleza -o la belleza de los sentimientos, si se me permite- no son indispensables ni la Universidad ni la Academia porque con el corazón basta.

Y Chema Maestre tiene uno que late al compás de su inspiración y vierte en versos sus latidos.


¡Enhorabuena!...”

Sobre este mismo libro de Chema Maestre, Diomedes Daza Daza dijo: - “En medio del excesivo folclorismo que padece la región, este libro lo redime del silencio estéril y será el rastro representativo de su existencia”. Y Carlos Alberto Atehortúa comentó: - “Leer estos versos es volver a la primavera, si, a la estación donde florecen nuestras pasiones elementales. Gracias Chema. Hemos vuelto a vivir. Mejor aun, las cenizas de un volcán son flores nacidas en tu poemario maduro, con olor a pomarrosa”.

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Como es tradición, en cada versión del Salón BAT de Arte Popular, se rinde homenaje a un artista que se destaque por su trayectoria, técnica y creatividad. En esta ocasión corresponde este reconocimiento a las Tejedoras de Mampuján, grupo de mujeres originarias del corregimiento que lleva este nombre, en el municipio de María La Baja, departamento de Bolívar. Los habitantes de Mampuján han portado con orgullo y valentía su raigambre africana, al conservar sus tradiciones espirituales, sus costumbres y la vocación agrícola de sus mayores. En el año 2000, este corregimiento sufre una incursión violenta por parte del Bloque Héroes de los Montes de María de las AUC. Este grupo armado obligó al desalojo de todos sus habitantes sopena de ser asesinados. Ello da como resultado el desplazamiento de las 245 familias que componían dicha población. No obstante, algunos años después con mucho valor y decisión, resolvieron regresar e iniciar una nueva vida en un terreno cercano al originario y formaron una nueva población conocida como Nuevo Mampuján o Mampujancito. Parte de esta decisión se debe al trabajo realizado por éstas mujeres a través de coser tela sobre tela. Labor que permitió, entre otras cosas, elaborar los duelos de sus más profundos traumas. De esta manera decidieron plasmar sus recuerdos y la memoria de los dolorosos momentos que vivieron en emocionantes y originales cuadros, sin saber que estaban creando verdaderas y únicas obras de arte popular, que hoy exhibe el Museo Nacional de Colombia, en la sala Memoria y Nación. El objetivo de este trabajo comunitario fue en primer lugar, capacitar en esta técnica a varias mujeres para que fueran multiplicadoras de su efecto terapéutico para lograr la reparación, reconciliación y memoria histórica. Estas obras también han sido expuestas en diversas instituciones universitarias de los Estados Unidos y en varios museos de Europa. Algunos de sus telares se exhiben permanentemente, mientras que otros hacen parte de exposiciones itinerantes. Así mismo, las Tejedoras de Mampuján recibieron en el año 2015, en manos de su líder Juana Alicia Ruiz, el Premio Nacional de Paz. Este justo reconocimiento a las Tejedoras de Mampuján se realiza en el preciso momento en que los colombianos tratamos y queremos fervientemente reconciliarnos y olvidar la extraña violencia que nos ha correspondido vivir desde hace muchas decadas y sirve de perfecto ejemplo para buscar el perdón entre todos, víctimas y victimarios. Esta singular y única ocasión, puede ser el inicio de un futuro más promisorio para toda Colombia.

Nació el 21 de marzo de 1915, en El Banco, municipio del departamento del Magdalena, lugar en el que pudo tener contacto directo con las bandas de músicos que tocaban en las fiestas y procesiones religiosas, y vivir de cerca la presencia de las danzas de distintas poblaciones, en especial las de las pilanderas. En la época de navidad, en los cantos y bailes realizados para la celebración, Barros y sus amigos de la “barra” tenían la oportunidad de acompañar a los grupos de tambora y chandé, y años más tarde, de participar también de los cumbiones que se hicieron famosos en El Banco. 

En el cuarto año de primaria Barros abandonó los estudios y desde entonces se dedicó a diversos oficios como embolador, ayudante de viajes a Barranquilla y ripiero, y que alternó -hasta abandonarlos- con el canto, la animación de fiestas y las serenatas, su verdadero oficio y pasión. En 1971 fundo junto a algunos de sus amigos el Festival Nacional de la Cumbia en su tierra natal; ha recibido múltiples homenajes y reconocimientos, entre ellos la Gran Orden del Ministerio de Cultura en 1999, un homenaje de la Universidad Nacional de Colombia y el Premio Nacional Vida y Obra del Ministerio de Cultura en el 2002. 

Entre sus más reconocidas composiciones en diferentes ritmos se encuentran: “El Vaquero” (paseo), “No me dejes esperando” (son), “El guereguere” (gaita), “La piragua” (cumbia), “El lagarto” (merengue), “Dos claveles” (pasillo), “Adiós te digo” (ranchera), “Desgraciadamente” (bolero), “Tu sombra“(vals), “Vivo entre la farra” (tango), ”Cómprame un coco (porro), “Pajarita” (merengue), “Las hilanderas” (paseo), y el vals ”Canta el corazón”.

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Destacada resulta toda la obra del artista indígena, de la comunidad inga, Carlos Jacanamijoy Tisoy (Santiago, Putumayo, 1964), quien se tituló, en 1991, como maestro en artes plásticas, con énfasis en pintura, de la Universidad Nacional de Colombia. Fue en este espacio universitario, abierto a las inquietudes de los jóvenes que procedían de diferentes latitudes, donde se concretó el anhelo de convertirse en pintor, proceso que el artista había iniciado en la ciudad de Pasto en 1984, cuando ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Nariño. El maestro Jacanamijoy hizo, además, estudios de filosofía en la Universidad de La Salle (1989-1990), tema que abarca uno de sus principales intereses intelectuales y que, sin duda, le da soporte a sus manifestaciones personales y artísticas.

La obra de Jacanamijoy surge de la interacción del artista con un espacio específico: El valle del Sibundoy y sus tierras aledañas, las cuales se extienden hasta las selvas del Putumayo. Fue el historiador del arte Álvaro Medina quien acuñó el concepto de “abstracción realista” , idea que permite entender ese puñado de trazos multicolores y tonales, todos presentes dentro del rico universo pictórico del artista, el cual tiene origen en la reflexión que este ha hecho acerca de su tierra natal, una de las regiones con mayor biodiversidad del mundo. La obra de Jacanamijoy es rica porque él es una persona inteligente, pero además gracias al respeto cotidiano que expresa de la cultura de los ingas, todo un puñado de valores espirituales que guían el aprovechamiento de los elementos de la naturaleza, entre ellos algunos prodigios de la botánica, como la ayahuasca o yagé.Si bien los trazos que aparecen en la obra de Jacanamijoy pueden llegar a tener vínculos con los procesos rituales que permite el yagé entre los ingas, planta que tiene efectos místicos y alucinatorios; no se puede aseverar que dichas imágenes sean una simple mímesis del medio natural que el artista vio durante su infancia y adolescencia, tomado de la mano de su padre. Es en ese sentido que Álvaro Medina se refiere a un proceso, por medio del cual el artista abstrae aspectos de esa realidad para construir un complejo sistema de signos gráficos o “grafemas” que guían la obra y que con seguridad se afilian a la cosmogonía de un pueblo que estuvo bajo la influencia del pueblo inca, aquel que se extendió desde la Pucará de Tilcara en la región de Jujuy en la Argentina hasta la ribera del río Mayo, unos kilómetros al norte de la ciudad de Pasto en Colombia, y cuya presencia es evidente en cuanto que la lengua quechua es la que hablan los indígenas del valle del Sibundoy.Jacanamijoy ha merecido amplio reconocimiento, su obra hace parte de importantes colecciones internacionales, una de ellas el National Museum of the American Indian en la sede de Washington D.C. (Estados Unidos de América), institución que además incluyó a su hermano Benjamín Jacanamijoy Tisoy entre los más destacados pintores indígenas del continente americano.

Este aspecto es importante, porque para los Jacanamijoy la vida familiar tiene un sentido profundo, en cuanto que gira alrededor del respeto que se les rinde a los padres, abuelos y ancestros, quienes han transmitido conocimientos y valores ancestrales a una comunidad que ve en el chamán al individuo que logra comprender los secretos que gobiernan a todo un territorio sagrado, identificado con el Putumayo.Para Carlos Jacanamijoy “la historia se ha contado desde un modelo de dominación donde quien gobierna es el hombre blanco”; en ese sentido él ha logrado, a través del posicionamiento internacional de su obra, que el modelo colonial se invierta a favor de la estética y narrativa del indígena. Hoy, coleccionistas y galeristas luchan por tener una de sus pinturas, los precios pueden llegar a ser muy elevados, y en ocasiones quienes poseen los cuadros no alcanzan a comprender el conjunto de significados profundos que poseen sus obras. Sorprende que el hombre blanco satisfaga sus ansias de posesión del mundo a través del autoengaño; pues son pocos quienes se han tomado la tarea de escuchar las explicaciones que el Jaca brinda acerca de sus obras, bien sea a modo propio o a través de investigadores como el profesor Álvaro Medina de la Universidad Nacional de Colombia. Al respecto, resulta muy útil el catálogo de la exposición retrospectiva que organizó el Museo de Arte Moderno de Bogotá en 2013, allí figura un esquema que muestra una parte de la vasta jeroglífica presente en las obras de Jacanamijoy .Ojalá en un futuro no muy lejano, los investigadores logren construir un catálogo razonado de los símbolos indígenas del mundo, el cual permita descubrir alternativas lingüísticas, plásticas y epistemológicas acerca de cómo estos pueblos “originarios” han vivido en armonía con el medio natural y durante períodos muy prolongados .

Es en esa senda que Carlos Jacanamijoy se constituye en decano del saber iconográfico inga, la tarea de quienes entran en contacto con sus obras es dejarse llevar por el deleite plástico que el artista domina con sabiduría; pero además tratar de adentrarse en el conocimiento de una cultura rica y desconocida para los colombianos. La noticia es buena, pues existe una jeroglífica que explica la obra del pintor Jacanamijoy y su piedra rosetta es la voz del propio artista.Desde 1991, en tiempos de una nueva Constitución, Carlos Jacanamijoy hizo de la pintura su forma de comunicación y expresión personal. Así como muchos desconocen las normas y bondades contenidas en nuestra carta fundamental, también son otros tantos, quienes en Colombia manifiestan desprecio por las ideas de los indígenas y demás grupos humanos que han sido llevados, por obligación, a ser subordinados o marginados. Corresponde hoy tener mayor arrojo y carácter para atreverse a entrar a los mundos mágicos que proponen estas comunidades excluidas del mapa artístico y cultural colombiano.En tiempos en que brotan a borbotones los anhelos de paz, le conviene al pueblo colombiano empezar a escuchar la voz sabia de sus indígenas. La obra del maestro Jacanamijoy Tisoy es todo un tratado de filosofía visual que habla de lo que somos, hemos sido y seremos. Sabe bien el artista que su obra trasciende los anhelos fetichistas de coleccionistas, aduladores y mercachifles; es en esa medida que él regresa de manera constante al valle del Sibundoy para no perder contacto con los congéneres y sus imágenes, aquellas que proceden de los páramos o del fondo de la selva, a manera de visiones místicas (neblina, rocío, torrentes de agua, ventisca, caídas de frutos y hojas, rugidos, movimiento de ramas de árboles, croar de ranas, etc.) y enriquecidas por la sabiduría de un joven chamán que apenas ronda los 52 años de edad.En esta ocasión, la obra destacada no es un solo cuadro, pues se trata del conjunto de obras pintadas con maestría por Carlos Jacanamijoy; ellas conforman todo un tratado de reivindicación silenciosa de los derechos de las comunidades indígenas y constituyen una lección de cómo es posible hablar otros lenguajes diferentes al convencional, aquel propuesto por el rigor mortis capitalista, industrializado, globalizado y tecnificado. Colombia necesita otras narrativas, otras oportunidades, el Jaca egresado con honores de la Universidad Nacional de Colombia así lo ha demostrado.

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Este artista nos cuenta que desde niño supo de su talento para el arte, y le dio curiosidad por conocer las técnicas del dibujo, el color y los textiles. Las manifestaciones artísticas han sido desde siempre una constante en mi vida, a temprana edad comencé a explorar las distintas técnicas pictóricas, más adelante perfeccioné este oficio, pintando en diferentes talleres de artistas y tomando cursos en varias instituciones, sin embargo, lo que más me ha llevado a encontrar el lenguaje que me identifica en el oficio, es la indagación personal.  Como conclusión soy un artista empírico. Un acontecimiento que marcó el panorama para encontrar un fundamento en mi lenguaje pictórico fue el poder admirar un arco iris doble que contemplé en los llanos orientales colombianos, esto fue la iluminación para abrir una investigación sobre técnicas no convencionales, cuya objetividad es la descomposición de la obra en planos translúcidos, logrando resultados impensables. Vidrio, madera acrílica, metal, cualquier material sirve como pretexto para aplicarlo a este procedimiento, el que he estado explorando con más insistencia, es la rama del diseño textil, los hilos, en donde la urdimbre la utilizo como soporte para crear diferentes capas y voy plasmando las ideas con tramas ópticas, ejecutadas con pegotes de pintura.  Hacia un futuro, el proyecto es seguir esta inagotable exploración y compartir los conocimientos.  En cuanto a la obra Desplazados 2, ganadora de uno de los primeros premios del V Salón BAT de arte popular, parte según el artista de que en Colombia todos somos desplazados de una u otra forma, por eso decidió jugar con el tiempo y reflejar esa realidad en una obra en blanco y negro para hacerla más dramática. Toma fotografías de las escenas que quiere plasmar en su obra, visualiza planos, pinta sobre urdimbre y logra una perspectiva gracias a la distancia entre los hilos, sin necesidad de hacerle variaciones al color. El amarillo, en la obra, que le da luz, refleja la esperanza que no se debe perder.